Bitter Tears ist sicher eines der aussergewöhnlichsten Alben, das Johnny Cash während seiner langen Karriere aufgenommen hat.
Als reines Konzept-Album hat Cash hier den indigenen Völker Amerikas ein Denkmal gesetzt.
Geschrieben wurden die Songs von Johnny Cash und dem Folkmusiker Peter La Farge. Letzterer brachte die unüberhörbare politische Note mit ein.
Es werden Themen wie Völkermord, Umerziehung oder Diskriminierung besungen und dies mit eindrücklichen Texten sowie nicht weniger unter die Haut gehender Melodik. Wer jemals Songs wie „As Long As The Grass Shall Grow“, “The Ballad of Ira Hayes” oder “The Talking Leaves” gehört hat, wird sie so schnell nicht mehr aus den Gehörgängen bekommen.
Johnny Cash war damit ein Vorreiter, denn bis dato interessierte sich kaum jemand für die amerikanischen Ureinwohner.
Für mich gehört dieses Album mit zum Besten, das Johnny Cash herausgebracht hat!

Veröffentlicht: 1. Oktober 1964

Aufgenommen: März bis Juni 1964
Studio: Columbia Recording Studio, Nashville, Tennessee

Original-Label: Columbia Records
Genre: Country / Folk


Meine Ausgabe:

Label: Columbia / Legacy Records, New York
Tonträger: Standard Audio-CD (CK 66507)
Jahr: 1994

Produzent: Don Law / Frank Jones

Spielzeit: 31:13

Ich bin kein Jazz-Fachmann und höre mir auch nicht übermässig viel Jazzmusik an, aber diese Scheibe von Wes Montgomery gehört zu meinen absoluten Lieblingsalben. Die kann ich stundenlang rauf und runter hören, ohne dass sie langweilig oder öde werden würde. Einfach nur schöne Arrangements, geniale Musiker, die zusammen einen unglaublich entspannten aber auch mitreissenden Drive entwickeln, und das Timing ist derart genial, dass man gar nicht fassen kann, was die Jungs da zusammenzaubern.

Ich besitze eine SHM-SACD, die von Universal Japan herausgegeben wurde und auf die ich eher zufällig stiess. Dieser Scheibe gelingt es nun erstmals den Sound der 1966er Jahre in bestmöglicher Klangqualität ins Wohnzimmer zu bringen. Es gibt ja viele miese SACDs, vor allem unter den Stereo-Versionen, aber diese Ausgabe ist grossartig gelungen. Nie klangen die Bässe tiefer und nie Wes' geniales Gitarrenspiel freier und klarer...

Es handelt sich hier übrigens um eine reine Stereo SACD, ohne Mehrkanalspur. Zudem ist es eine Single-Layer-Ausgabe, das heisst, es gibt keine "normale" Audio-CD-Spur, sie ist also ausschliesslich auf SACD-Playern abspielbar. Man kann das als Einschränkung sehen, solange die Tonqualität aber wie im vorliegenden Fall derart überzeugend ausfällt, lässt sich damit leben...

Veröffentlicht: 1966

Aufgenommen: 14. bis 16. September 1966
Studio: Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, New Jersey

Original-Label: Verve Records
Genre: Jazz


Meine Ausgabe:

Label: © Universal Music Japan 2011
Tonträger: Single Layer SHM-SACD (UCGU-9024)

Produzent: Creed Taylor

Spielzeit: 38:40

Zwei Jahre waren vergangen, seit Bob Dylan sein letztes Album „John Wesley Harding“ 1967 veröffentlicht hatte, viel war geschehen seither… In den USA herrschten, vor allem in den Städten, bürgerkriegsähnliche Zustände. 1968 war Martin Luther King ermordet worden und die Proteste gegen den Vietnam-Krieg wurden immer gewalttätiger.

Die Erwartungen waren gross, und nicht wenige hofften, dass Dylan, der durch seine sprachgewandten politischen Protestsongs bekannt geworden war, nun aus dem Vollen schöpfen würde… - aber weit gefehlt. Dylan muss wohl gespürt haben, dass solchem Terror nicht mit Aggressivität entgegenzutreten war, sondern mit der stärksten Waffe, die es gibt – der Liebe.

Und so schrieb Bob Dylan ein Country-Album mit harmonischer, eingängiger Melodik, das ausschliesslich aus Liebesliedern bestand: Melancholischen Stücken wie „ Girl from the North Country“, welches er im Duett mit Johnny Cash aufnahm, romantischen Liebesliedern wie „Lay Lady Lay“ oder schlicht wunderschönen Liebesliedern wie „To Be Alone with You“.

Ich persönlich zähle „Nashville Skyline“ mit zu den schönsten Alben, die Bob Dylan bis heute aufgenommen hat. Speziell an diesem Album ist zudem die sehr untypische Singstimme Dylans, die kaum wiederzuerkennen ist.
So ganz nebenbei hat Dylan mit diesem Country-Album die ganze Country-Szene aufgemischt - Nashville war nach diesem Album in einem neuen Zeitalter angekommen…

Ein Protestsänger, der dem Protest eine geballte Ladung Liebe entgegenhält – ein Album zum ganz Durchhören, schwächere oder gar schwache Songs gibt es hier keine…

Veröffentlicht: 09. April 1969

Label: Columbia
Aufgenommen im: 12.02. – 21.02.1969
Studio: Studio A, Nashville, Tennessee
Original-Label: Columbia

Genre: Country

Produzent: Bob Johnston

Laufzeit: 27:14

Meine Ausgabe

Label: © Mobile Fidelity Sound Lab, USA
Tonträger: Stereo SACD (Limmitierte Ausgabe Nr. 000902)
Jahr: 2015

Remastering: Shawn R. Britton

Ich weiss nicht mehr genau, welchem glücklichen Umstand ich es verdanke, dass ich auf dieses Album aufmerksam geworden bin – möglicherweise einem Artikel im Rolling Stone Magazin. Wie auch immer, es wurde ziemlich schnell eines meiner liebsten Alben in meiner Sammlung.
Wenn man dann noch die absolut verrückte Geschichte von Sixto Rodriguez und seiner kurzen Musikkarriere hört, kriegt das Album noch mehr Gewicht.

Dieses Album war in den USA ein absoluter Flop, was dazu führte, dass Rodriguez nach einem weiteren Long Player 1971 (Coming From Reality), der ebenfalls floppte, seine Karriere als Musiker an den Nagel hängte. Was er nicht wusste, in Süd-Afrika gehörte sein Album zu den meistverkauften überhaupt. Dort war er ein Star, nur ahnte er das nicht. Falls sie sich für die unglaubliche Geschichte über Rodriguez interessieren, kann ich Ihnen den Dokumentarfilm: „Searching for Sugar Man“ bestens empfehlen. Ein aussergewöhnlicher Film über einen aussergewöhnlichen Künstler.

Die Musik lässt sich nicht einfach in eine Schublade stecken, dazu ist sie zu vielfältig und zu durchsetzt. Folk, Rock, Blues, aber auch Soul-Elemente sind zu hören, und um dem Zeitgeist zu huldigen, gibt es auch einige psychedelische Untertöne. Seine etwas brüchige, markante Stimme, die unverwechselbar ist, ergänzt das Ganze wunderbar. Er schrieb wunderschöne Texte, die zuweilen melancholisch, aber auch immer wieder kämpferisch und kraftvoll daherkommen.

Es fällt mir schwer, einzelne Songs herauszugreifen, da sie alle auf ihre Art perfekt sind, aber wenn ich mich für drei entscheiden müsste, wären es: Nr. 3: Crucify Your Mind, Nr. 8 I Wonder und Nr. 11 Rich Folk Hoax.

Veröffentlicht: März 1970

Aufgenommen: August / September 1969
Studio: Tera-Shirma Studio, Detroit, Michigan

Original-Label: Sussex Records, Los Angeles
Genre: Folk Rock / Soul / Blues


Meine Ausgabe:

Label: Light In The Attic Records, Seattle, Washington
Tonträger: Standard Audio-CD
Jahr:

Produzent: Mike Theodore / Dennis Coffey

Spielzeit: 32:23

Man muss schon lange suchen, bis man auf ein ähnlich bemerkenswertes Debut-Album stösst, wie das hier vorliegende.
Auf diesem Album befinden sich nicht weniger als sieben Hits, die auch heute noch regelmässig im Radio gespielt werden. Vier davon, „Me and Bobby McGee“, „Help Me Make It Through the Night“, For the Good Times” und “Sunday Mornin’ Comin’ Down”, kann man mit Fug und Recht als Welt-Hits bezeichnen.
Ebenso bemerkenswert ist die Tatsache, dass das Album 1970 kaum breite Beachtung fand. Erst als Johnny Cash (Sunday Mornin‘ Comin‘ Down) und später Janis Joplin (Me And Bobby McGee) Cover-Versionen veröffentlichten, erwachte das Interesse wieder für die Originalversionen.
So wurde die Scheibe 1971, nun unter dem neuen Titel „Me And Bobby McGee“, wiederveröffentlicht und landete diesmal auf dem beachtlichen Platz 10 der US-Country-Charts. Von mir aus gesehen, wird diese Platzierung der Bedeutung des Werkes aber bei weitem nicht gerecht.
Songs wie die oben genannten, kann ich mir immer wieder anhören. Da stimmt einfach alles.
Kris Kristofferson hat es nie wieder geschafft, an diesen Erstling anzuknüpfen, was in Anbetracht der Hit-Dichte wohl auch beinahe unmöglich war.
Meiner Meinung nach ist „Kristofferson“ sowohl textlich wie musikalisch eines der bedeutendsten Country/Folk-Alben des zwanzigsten Jahrhunderts.

Erstveröffentlichung auf: LP - Kristofferson

Aufgenommen: 1969
Veröffentlicht: 1970
Studio: Monument Recording Studio, Hendersonville, Tennessee, USA
Original-Label: Monument Records

Genre: Country / Folk / Songwriter


Meine Ausgabe:

Label: Music On Vinyl
Tonträger: LP (180g)

Produzent: Fred Foster

Spielzeit: 41:29

Tea For The Tillerman ist Cat Stevens viertes Studio-Album und verhalf ihm gleichzeitig zum internationalen Durchbruch.
Stevens hat viele geniale Songs geschrieben, allerdings ist die Dichte an Ohrwürmern auf diesem Album schon bemerkenswert.
Nicht ganz unschuldig am Erfolg dürfte auch die Tatsache gewesen sein, dass 1971 vier Songs von diesem Album für den Soundtrack von „Harold and Maude“ Verwendung fanden.
Ich mag die eingängige Melodik und die schönen Harmonien, die seine Songs auszeichnen. Wobei einem als erstes natürlich grossartigen Stücke wie „Where Do The Children Play?“ oder „Father And Son“ ins Ohr springen. Die anderen Songs sind nicht minder gut, erschliessen sich dem Zuhörer zuweilen jedoch erst beim wiederholten Hören.
Das Album ist sehr zurückhaltend instrumentiert und bekommt dadurch einen sehr gleichmässigen, beruhigenden Klang.
Kritiker haben es aus diesem Grund als monoton abgetan. Ich denke aber, dass Cat Stevens, der alle Songs selber schrieb, hier durchaus gewollt einen ausgewogenen Klangcharakter angestrebt hat. Schliesslich und endlich ist es genau dieser Sound, der dieses Album zu etwas Besonderem macht.

Ich besitze dieses Album in verschiedenen Ausführungen und halte die Stereo SACD-Ausgabe, die 2011 von Analogue Productions herausgebracht wurde, als die bis heute klangtechnisch beste Veröffentlichung.

Veröffentlicht: 23. November 1970

Aufgenommen: Mai bis July 1970
Studio: - Morgan Sound Studios, London
- Island Studios, London
- Olympic Studios, London

Original-Label: Island Records (Europa) / A&M Records (USA)
Genre: Folk Rock


Meine Ausgabe:

Label: Analogue Productions, Salina, Kansas
Tonträger: Hybrid Stereo SACD (CAPP 9135 SA)

Produzent: Paul Samwell-Smith

Spielzeit: 36:49

Wenn der erste Song dieses Albums „I Feel the Earth Move“ wie ein Orkan über den Zuhörer hineinbricht, wird schnell klar, dass das beileibe nicht nur eine Phrase ist, die Welt tut das tatsächlich.

Nach der Veröffentlichung dieses genialen Albums von Carole King, war die Musikwelt nicht mehr die selbe. Songwriter-Alben wurden nun nicht mehr belächelt. Ich kenne wenige Alben, bei dem die Hitdichte so gross ist wie bei diesem.
Was die begnadete Songwriterin da zusammengeschrieben hat, muss ihr vermutlich im Nachhinein selber irgendwie unheimlich gewesen sein.
Hier stimmt einfach alles, Arrangement, Harmonien, die Texte und die Musik sowieso. Sie hatte auch tatkräftige Unterstützung durch James Taylor und Joni Mitchell.
Witzig ist, dass vermutlich die meisten all diese Songs kennen, die wenigsten aber wissen, dass die allesamt von Carole King sind.
Hier kann man nichts überspringen, auslassen oder skippen, andächtiges Durchhören ist angesagt.

Unfassbar, dass sie erst von Freunden dazu gedrängt werden musste, dieses Album selber einzuspielen. Unvorstellbar, sie hätte es nicht getan.
Ich möchte hier keine Songempfehlungen abgeben, da das Album einfach als Gesamtkunstwerk steht und ich mich sowieso nicht für zwei, drei davon entscheiden könnte.
Dass ich ein wankelmütiger Geselle bin, merken Sie an der Tatsache, dass Sie in der Rubrik „Lieblingssongs“ einen Song aus diesem Album finden werden...

Ich besitze diesen Longplayer in verschiedenen Ausführungen. Die meiner Meinung nach beste Aufnahme befindet sich auf der SACD von Ode/Epic Records aus dem Jahre 1999. Es handelt sich dabei um eine Single Layer SACD mit Stereo und Multichannelspur.

Veröffentlicht: 1971

Aufgenommen: Januar 1971
Studio: A&M Recording Studios (Studio B)

Original-Label: Ode Records
Genre: Folk / Soft Rock


Meine Ausgabe:

Label : © Ode Records USA 1999
Tonträger : Single Layer Multi-ch SACD

Produzent: Lou Adler

Spielzeit: 44:31

Ich kann mich nicht mehr genau erinnern, wann ich mir dieses Album zugelegt habe. Zwei Dinge weiss ich aber mit Sicherheit: Es war mein allererstes Jazz-Album, und ich hatte keinen blassen Schimmer, wer Quincy Jones war.
Der eigentliche Kaufgrund war der Titel. Da ich schon damals ein grosser Fan von Carole King war, musste ich unbedingt herausfinden, was dieser Quincy Jones aus Smackwater Jack gemacht hatte. Obwohl mir die jazzige Version gefällt, bildet das Titelstück aber definitiv nicht den Höhepunkt dieses Albums. Das hervorragende „Ironside“ oder das noch grandiosere „What’s Goin‘ On?“, mit Valerie Simpson als Sängerin, sind da wesentlich eindrücklicher ausgefallen.
Smackwater Jack besticht durch seine Vielfalt und durchwegs gut, zuweilen originell, arrangierten Stücke.
Ein Konzept-Album ist es aber weiss Gott nicht. Vielmehr wurden allerlei Stile und Genres durcheinandergemischt. So hört man Blues, Soul, Jazz, aber auch Funkmusik. Ein wildes Potpourri, das noch durch Filmmusik ergänzt wird. Trotz dieser vermeintlichen Konzeptlosigkeit, wirkt das Album erstaunlich einheitlich, was definitiv dem unnachahmlichen Quincy-Jones-Sound zugeschrieben werden kann. Ein grossartiges Album!

Veröffentlicht: 1971

Aufgenommen: 1971
Studio: A&R Recording Studios, New York City

Original-Label: A&M Records, Santa Monica, Kalifornien
Genre: Jazz


Meine Ausgabe:

Label: © A&M Records, Santa Monica, Kalifornien
Tonträger: Standard Audio-CD (393 037-2)

Produzent: Phil Ramone

Spielzeit: 42:48

Marvin Gayes What's Going On-Album ist für mich so was wie die Mutter aller Konzeptalben. Ich kenne kein anderes, das dermassen kohärent und stimmig ist, wie dieses wunderbare Werk.
Dabei musste Gaye ganz schön kämpfen, um den Titelsong überhaupt aufnehmen zu dürfen. Der Motown-Boss hielt den Song für zu kritisch bzw. politisch und damit für nicht Motown-tauglich.

Herausgekommen ist, sowohl textlich, wie auch musikalisch, etwas vom Besten, das es in der Soul-Musik bis dahin gegeben hatte.
Die einzelnen Stücke laufen ohne Unterbruch ineinander über, sind aber musikalisch derart gut aufeinander abgestimmt, dass die Übergänge praktisch nicht auffallen.
Inhaltlich ist Marvin Gaye in die Domäne der Folk-Musik eingebrochen, denn die verarbeiteten Themen wie Vietnamkrieg, politische Korruption oder Umweltschutz spielten bis dahin nun wirklich keine Rolle in der Soul-Musik.
Die kongeniale Mischung aus Folk (Text), Klassik (Arrangement) und eben Soul, mit jazzigen Einlagen, machen dieses Werk zum Meilenstein in der Musikgeschichte des 20. Jahrhunderts...

Es gibt darauf Stücke wie: What's Going On, What's happening Brother oder Mercy Mercy Me. Die sind für sich genommen nur gut, genial werden sie erst im Zusammenspiel mit allen anderen Songs auf diesem wunderbaren Konzeptalbum.

Veröffentlicht: 21. Mai 1971

Aufgenommen: Juni bis September 1970 / März bis Mai 1971
Studio: - Hitsville U.S.A. Studio (Motown), Detroit, Michigan
- Golden World Studios, Detroit, Michigan
- The Sound Factory, Los Angeles, Kalifornien

Original-Label: © Tamla Records (Motown)
Genre: Soul / Rhythm and Blues


Meine Ausgabe:

Label: © Mobile Fidelity Sound Lab.(MoFi), Chicago
Tonträger: Hybrid Stereo-SACD (Limited Edition: Nr. 4236)

Produzent: Marvin Gaye

Spielzeit: 35:38

Eric Claptons Blues-Gitarre ist auf diesem Album unglaublich mitreissend, überhaupt strotzt dieses Album vor Vitalität und guter Laune. Das fängt schon mit dem ersten Stück an, dem rockigen Blues „Motherless Children“. Gefolgt von einem sehr ruhigen „Give Me Strength“, ein Blues-Gospel Stück der besonderen Art.

Das Album ist vollgepackt mit einzelnen Highlights, die jedes für sich gesehen schon bemerkenswert wäre, zusammen aber einfach nur genial und einzigartig sind. Clapton hat meiner Meinung nach hier seinen musikalischen Höhepunkt erreicht. Einen Höhepunkt, den er in späteren Jahren ab und an nochmals streifte, aber nie übertroffen hat. So ganz nebenbei ist es natürlich auch witzig, einem Album den Namen seiner Wohnadresse zu geben.

Die coole Mischung aus Blues, Rock, Gospel und Reggae ist einfach nur groovy und lädt zum Mittanzen, Mitsingen und Mitklatschen ein. Wer hier still sitzen bleibt, sollte dringend seinen Arzt oder Apotheker konsultieren...

Ich besitze hier die japanische Stereo SHM-SACD (Single-Layer), die eine wunderbare Abmischung bietet und dem grossartige Album die angemessene technische Referenz erweist.

Meine persönlichen Lieblingssongs darauf sind: Nr. 1 "Motherless Children“, Nr. 3 „Willie and the Hand Jive“, Nr. 5 „I Shot the Sheriff“, und natürlich die Nr. 8 „Let it Grow“.

Veröffentlicht: 1974

Aufgenommen: April / Mai 1974
Studio: Criteria Studios, Miami, Florida

Original-Label: RSO Records
Genre: Rock / Blues Rock / Reggae


Meine Ausgabe:

Label: © Universal Music Japan 2014
Tonträger: Single Layer SHM-SACD (UIGY-9603)

Produzent: Tom Dowd

Spielzeit: 43:21

Billy Joel hat ohne Frage unzählige gute Alben abgeliefert, warum ist dieses das Beste für mich?

Vielleicht weil hier einfach alles stimmt; Phil Ramone, der Produzent hat es ausgezeichnet verstanden abzurunden, wenn's zu eckig wurde und laufen zu lassen, wenn's gerade passte. Die Musik ist eine wilde Mischung aus wunderschönen Balladen, Liebesliedern und episch anmutenden Erzählungen. Und nicht zu letzt sieht man, wenn man das Album-Cover wendet, eine gemütliche Männerrunde am gedeckten Tisch sitzen. Der Wein ist schon da, die Spaghetti kommen gleich. Genau so harmonisch, gemütlich und kumpelhaft hört sich auch dieses Album an.
Den Stücken ist zuweilen deutlich anzuhören, dass wir uns im Jahre 1977 befinden, was aber nicht despektierlich, sondern im positiven Sinne gemeint ist. Wir erhalten gewissermassen eine musikalische Postkarte aus der Vergangenheit.
Das Einzige, das man dem Album vorwerfen könnte, ist die Tatsache, dass es nach nur 9 Songs bereits aus ist und uns, wie es so üblich ist, nach einer schönen Reise um so härter wieder in unseren Alltag zurück befördert.

Meine Lieblingsstücke auf diesem Album sind: Nr. 3 Just the Way You Are, Nr. 8 Get It Right the First Time und natürlich meinen absoluten, einzigen und wahren Lieblingssong... aber nein, über den müssen Sie in der Rubrik Lieblingssongs nachlesen.

Veröffentlicht: September 1977

Aufgenommen: Juli bis August 1977
Studio: A&R Recording, Inc., New York City

Original-Label: Family Productions / Columbia Records
Genre: Rock / Soft Rock


Meine Ausgabe:

Label: Columbia Records
Tonträger: Single Layer multi-ch SACD (CS 69384)
Remastering für SACD durch Ted Jensen, Sterling Sound, New York City

Produzent: Phil Ramone

Spielzeit: 42:13

Es war ein Glücksfall für die Musikgeschichte, als sich Mark Knopfler und sein jüngerer Bruder David 1977 entschieden, eine eigene Band zu gründen. Aufgrund ihrer prekären finanziellen Situation, war der Band-Name schnell gefunden: Dire Straits (schwere Zeiten) - und da sie sich nicht lange mit Namensgebung herumschlagen wollten, benannten sie auch gleich ihr Debut-Album danach.

„Dire Straits“ klingt nicht eine Sekunde nach einem Debut-Album. Vielmehr hat man den Eindruck, eine arrivierte und gut eingespielte Band zu hören. Die Songs, allesamt von Mark Knopfler komponiert und getextet, verströmen eine gelassene, leicht ironische Grundstimmung. Die Songs zeichnen sich durch eine ausgezeichnete, beinahe literarische Sprache aus, die Instrumentierung ist sparsam und gleichzeitig rund sowie stilvoll ausgefallen.
Mit dem Song „Sultans of Swing“ beinhaltet dieses bemerkenswerte Werk zudem einen Welthit, der in den US-Billboard-Charts auf Platz 4 landete.
Mir persönlich gefällt der Blues-Rock-Song „Water of Love“ am besten. Er beinhaltet eigentlich schon alles, was die Band auch in späteren Jahren auszeichnen sollte: Schöne Texte und beeindruckende Gitarrensoli. Mark Knopfler spielt in „Water of Love“ seine unverkennbare National-Style-0- Gitarre und verleiht dem Song dadurch einen grossartigen Groove.

Obwohl ich noch viele andere Dire-Straits-Alben mag, ist dieses Debut-Album bis heute mein Lieblingsalbum der Band geblieben - ein harmonisch rundes Album, bei dem einfach alles stimmt.

Veröffentlicht: 07. Oktober 1978

Aufgenommen: 13. Februar bis 05 März 1978
Studio: Basing Street Studios, London

Original-Label: Vertigo Records, England
Genre: Blues Rock / Pub Rock / Roots Rock

Produzent: Muff Winwood

Spielzeit: 41:34

Meine Ausgabe:

Label: Universal Music, Japan
Tonträger: SHM-CD
Jahr: 2011

Remastering: Bob Ludwig

Der aus Südafrika stammende Manfred Mann war bereits in den 60er-Jahren ein erfolgreicher Musiker, der sich mit seiner gleichnamige Band mit R&B, Blues und Jazz einen Namen machte. 1971 gründete er eine neue Band, die den Namen Manfred Mann’s Earth Band erhielt. Manfred Mann passte sich mit der neuen Band dem damaligen Zeitgeist an und spielte fortan Progressive Rock.

Ich muss gestehen, dass ich, als ich 1982 „Somewhere in Afrika“ kaufte, einigermassen verwirrt war. Das Plattencover passte so gar nicht zum bekannten Sound der Band. Die Verwirrung steigerte sich noch, als ich die LP zu Hause auf den Plattenteller legte. Ernüchtert musste ich zur Kenntnis nehmen, dass sich Manfred Mann einmal mehr neu erfunden hatte - ich war (und bin) nun wahrlich kein Freund von Synthesizer-Musik. Nachdem ich den ersten Schock überwunden hatte, musste ich eingestehen, dass das Gehörte alles sprengte, was ich bis dahin gekannt hatte.

„Somewhere in Afrika“ ist eine Huldigung an Manfred Manns Heimat und verbindet afrikanisches Flair und Rhythmik, mitreissende Rock-Musik und den Sound der 80er-Jahre miteinander. Dabei ist es der Band gelungen, trotz vielfältiger Veränderung, ihren eigenen Stil weiterzuentwickeln. Gleichzeitig ist dieses Album eines der wenigen Musikwerke der unzähligen „Afrika-Alben“ weisser Musiker, das als gelungenes, eigenständiges Kunstwerk die Zeit überdauert hat - Paul Simons „Graceland“ wäre ein anderes positives Beispiel…

Um eine lange Geschichte kurz zu machen: Ich hatte mich nach kürzester Zeit in dieses Album verliebt. Vor allem die Songs mit den afrikanischen Gesängen habe ich mir in der Dauerschlaufe angehört, wie auch die Cover-Version von Stings „Demolition Man“.
Im Unterschied zu vielen anderen Scheiben aus den 80er-Jahren, kann man sich „Somewhere in Afrika“ durchaus auch heute noch anhören. Zu einer Zeit, in der in Südafrika noch finsterste Apartheid herrschte, war dieses Album so etwas wie ein Lichtstreifen am Horizont - und für mich ganz persönlich ein Lichtstreifen ehrlicher Rockmusik, der es mir ermöglichte, die 80er-Jahre musikalisch zu überleben…

Erstveröffentlichung auf: Vinyl-LP - 205 077-320

Aufgenommen: 1981/1982
Veröffentlicht: 15. November 1982
Studio: Underhill Studios, London / Mastersounds, Schweden
Original-Label: Bronze Records

Genre: Rock / Progressive Rock


Meine Ausgabe:

Label: Bronze Records, London
Tonträger: Vinyl LP - 205 077-320

Produzent: Manfred Mann

Spielzeit: 39:22

Ich habe ja bereits an anderer Stelle erwähnt, dass ich nicht so ganz kompatibel war mit der Musik der 80er-Jahre. Eine Tatsache, die eigentlich erstaunlich ist, da man während seiner Teenagerzeit am empfänglichsten ist für neue musikalische Einflüsse...
Wie auch immer, meine Messlatte war Elvis, und da kam kaum einer drüber.
Eines Tages hörte ich im Radio einen wirklich genialen Song mit dem Titel „Rock‘n Roll Gypsy“. Den musste ich haben. Im Plattenladen angekommen, musste ich zur Kenntnis nehmen, dass ich zwei Jahre zu spät kam und die LP von Helen Schneider mit diesem Song wohl gerade nicht mehr aktuell war. Ja, liebe Kinder, so war das damals...
Der Verkäufer hielt mir stattdessen die aktuelle LP von Helen Schneider unter die Nase, die ich dann mit einer Mischung aus Verzweiflung und Frust kaufte. Sie ahnen es schon, es handelte sich um „Breakout“.
Ausbrechen ist immer gut, und so legte ich zu Hause die besagte LP auf meinen Plattenteller.
Was soll ich lang erzählen, es war eine der genialsten, depressivsten und interessantesten Scheiben, die ich je gehört hatte.
Songs wie „Mystery“ oder das geniale „Jealousy“, mit seinen coolen Bassläufen, liessen mich sprachlos zurück. Die sehr wandelbare Stimme von Helen Schneider und dieser musikalische Mischmasch aus New Wave, Funk, Punk und schlichtem Rock war einfach genau das, was mir damals gefiel, und was sonst niemand so rüberbrachte.
Die Platte endet mit einem Live-Mitschnitt aus der 82‘-Tour, dem Song „Price of Love“, einer Coverversion eines alten Everly Brothers Hits und zeigte, dass Helen Schneider nicht nur eine gute Studiosängerin war, sondern auch eine begnadete Performerin.
Ich habe diese LP so oft abgespielt, dass mein Plattenspieler die Songs auch noch spielen konnte, wenn die Scheibe gar nicht auflag.
Aus mir unerfindlichen Gründen ist dieses Werk bis zum heutigen Tag nicht auf CD erschienen (Hallo, Warner!), was mich zur Eigeninitiative veranlasste. Das heisst, ich habe sie mit meinem Minidisc-Recorder digitalisiert und höre nun nur noch diese Version an, zwecks Schonung der über dreissigjährigen LP...

Veröffentlicht: 1983

Aufgenommen: 1983
Studio: Surrey Sound Studios, London

Original-Label: © WEA Musik Gmbh
Genre: Rock / New Wave


Meine Ausgabe:

Label: WEA Musik Gmbh
Tonträger: LP (WEA 24-0233-1-Y)

Produzent: Helen Schneider / Thomas Trask

Spielzeit: 40:54

Lauryn Hill war bereits als Leadsängerin der Hip-Hop-Gruppe „Fugees“ zu Weltruhm gekommen, als sie sich 1997 entschloss ein Solo-Album aufzunehmen. Solche Solo-Projekte gehen nicht selten schief – Lauryn Hill aber schaffte mit diesem Album den Sprung in den Musik-Olymp.

Lauryn Hill hat alle Songs auf diesem Album selber geschrieben, und so erstaunt es dann auch nicht, dass es sich mitunter wie ein Tagebuchauszug anhört. Wenn es Lauryn schlecht ging, sie enttäuscht wurde oder ihr sonst etwas widerfuhr, schrieb sie einen Song darüber.
Nicht ganz unwesentlich zum unglaublich guten Groove dieser Scheibe beigetragen haben dürfte die Tatsache, dass sie unter anderem in den legendären Tuff Gong Studios in Kingston, Jamaica arbeiten konnte, in denen schon Bob Marley seine grossen Hits eingespielt hatte.
Trotz aller Tragik, die einigen Songs anhaftet, ist stets eine lockere und mitreissende Rhythmik und Atmosphäre zu spüren, die den Zuhörer mitten in die Songs hineinzieht.
Das Album lässt sich kaum einem bestimmten Genre zuweisen. Es herrscht ein stetiger Wechsel zwischen Soul, R&B, Reggae, Hip Hop und deren Mischformen. Lauryns kraftvolle Stimme klang nie besser und Ihre Texte haben eine Tiefe, wie sie in den 90er-Jahren kaum jemand zu bieten hatte.
Eines der Alben, die ich mir immer ganz durchhöre, weil es keine schwachen Songs darauf gibt.
Ein Werk, wie es einer Künstlerin im Leben wohl in dieser Perfektion nur einmal gelingt. Dies dürfte auch der Grund sein, weshalb Lauryn Hill gar nicht erst versucht hat, noch ein zweites Studioalbum herauszugeben…

Kurz: „The Miseducation of Lauryn Hill“ (der Album-Titel bezieht sich übrigens auf C. G. Woodsons Buch: „The Mis-Education of the Negro) ist eines der besten Alben der 90er-Jahre und eines meiner allerliebsten aus dieser Zeit.

Veröffentlicht: 25. August 1998

Aufgenommen: 1997 - 1998
Studio: RPM Studios / Chung King Studios / Sony Music Studios / Tuff Gong Studios…u.a.
Original-Label: Ruffhouse Records (Columbia), Philadelphia, USA

Genre: Soul / Hip Hop / R&B


Meine Ausgabe

Label: Ruffhouse Records (Columbia), Europa
Tonträger: Audio-CD (489843-2)

Produzent: Lauryn Hill / Vada Nobles / Che Pope

Spielzeit: 69:20

Ich habe keine Ahnung wie das ablief, vielleicht stand die gute Shelby Lynne eines Morgens auf und sagte sich, so, nun mache ich mal was ganz Grosses, begab sich ins Tonstudio und nahm eines der genialsten Alben des neuen Jahrtausends auf.
Entstanden ist ein Konzeptalbum, wie ich es liebe. Der Kern der Songs basiert auf Cover-Versionen alter Dusty Springfield-Hits, und obwohl ich Dusty Springfield mag, was Frau Lynne hier gemacht hat, ist mehr als eine Huldigung. Sie hat es neu interpretiert, Seele und Herz hineingepackt und schlicht aus guten Songs unglaublich gute Songs gemacht.
Es ist über alles gesehen ein eher ruhiges, grooviges, zuweilen auch tieftrauriges Album geworden. Mit Stücken wie „Anyone Who Had A Heart“ oder „You Don't Have To Say You Love Me“.

Shelby Lynne ist hier etwas ganz Grosses gelungen, und obwohl die breite Öffentlichkeit dieses Meisterwerk kaum zur Kenntnis genommen hat, halte ich es für einzigartig und bemerkenswert!
Es läuft bei mir so drei- bis viermal im Monat, eine Nichteinhaltung dieser Kadenz führt zu Entzugserscheinungen...

Meine Lieblingssongs sind: Nr. 1 „Just A Little Lovin'“, Nr. 4 „I Only Want To Be With You“, Nr. 6 „Breakfast in Bed“ und Nr. 7 „Willie And Laura Mae Jones“.

Veröffentlicht: 29. Januar 2008

Aufgenommen: Januar 2007
Studio: Capitol Studio A, Los Angeles, Kalifornien

Original-Label: Lost Highway Records
Genre: Country / Pop / Blues Rock


Meine Ausgabe:

Label: Analogue Productions (CAPP 041 SA)
Tonträger: SACD Hybrid Layer

Produzent: Phil Ramone

Spielzeit: 39:03